展期
2021.07.05-2021.07.25
策展人
楊逸凡（YANG YIFAN）
策展執行
殷蔚林（YIN WEILIN）
參展藝術家
陳家宇（MEGGIE CHEN）
陳谷宇子（CHEN-GUYUZI）
姜曉彤（JIANG XIAOTONG）
張靜文（ZHANG JINGWEN）
嚴硯（YAN YAN）
炎火火（YAN HUOHUO）
劉睿智（LIU RUIZHI）
趙越（ZHAO YUE）
鄭潔怡（ZHENG JIEYI）
殷蔚林（YIN WEILIN）
楊逸凡（YANG YIFAN）
策展助理
鄒康雯（ZOU KANGWEN）
朱睿琪（RACHEL ZHU）
地點
威尼斯 Kezuo Art Space
Fondamenta Zattere al Spirito Santo 65,30123 ,Venice ,Italy
直到海水退去
------------- 策展人語
藝術學之父康拉德·費德勒在其著作《論藝術的本質》中說道：＂藝術與言語和概念一樣都是思想的表達形式，它使可見的現象脫離感知和思想而具有可視性。＂費德勒的藝術學理論將＂藝術＂與美學區別開來，并指出用美無法涵蓋藝術中的所有問題。古希臘神話之中由九位古老的繆斯女神來掌管藝術、科學與學習，分別是：歐特碧（音樂）、卡莉歐碧（史詩）、克莉奧（歷史）、埃拉托（抒情詩）、墨爾波墨（悲劇）、波莉海妮婭（圣歌）、特爾西科瑞（舞蹈）、塔利婭（喜劇）、烏拉妮婭（天文）。九位繆斯女神形如一體，形影不離。偉大的柏拉圖和畢達哥拉斯都認為哲學是藝術（mousike）的一部分。不難看出古希臘先賢們對＂什么是藝術？＂做出了今天看來依然受用的古老的回應，＂藝術＂始終是歷史、文學、科學、哲學、音樂等等的共用名稱。Music、Museum等詞便是來源于此，誕生于18世紀法國大革命期間的＂Museum ＂一詞本意為＂繆斯的崇拜地＂。早在古希臘時期，畢達哥拉斯就提出要在城市的中心建造供養＂繆斯＂的神龕來給先民們提供一個交流學習的空間，可以說這就是＂博物館＂古老的雛形。時至今日，博物館作為一個最具代表性的公共文化空間，始終如一的履行著向公眾展示歷史、美學與知識的職責。結合古希臘先賢以及費德勒對＂何為藝術＂的回應，可以得出這樣的結論：＂美≤藝術，藝術=歷史+文學+科學+哲學+音樂+美學+……＂由此可見，藝術本身是一個非常龐大的名詞。在此可以理解為藝術是一種可以激發一切學習動力的感觀。
然而大眾對藝術的理解往往會局限于音樂和美術之上，而忽略掉藝術之中包含的更多內容（包括歷史、文學、哲學、科學等）而這些被忽視的部分往往是當代藝術語境之下那些晦澀難懂的作品之中最重要的組成部分。今天的藝術市場更是五花八門，然而縱觀整個藝術領域的發展，驚人的發現古希臘圣賢們早有預言，因為科技的發展、哲學的發展、歷史的革新，藝術的形式無時無刻不在變化，例如工業革命后，伴隨著物理、化學的發展，1838年法國物理學家達蓋爾發明了攝影術，在這近200年之中相機工業的不斷發展，攝影逐漸成為當下最重要的藝術形式之一。在哲學領域之中，從達達主義開始，觀念藝術的不斷發展，藝術家及逐漸接受＂美學≤藝術＂這個不等式，從而關注到可視的物相背后深層次的意義討論。杜尚在他的墓碑上刻上＂死去的永遠是別人＂這本身就是一個深刻的哲學討論了。在歷史方面，更有大量的作品用于去思考歷史，無論是德拉克羅瓦的《自由引導人民》，還是畢加索的《格爾尼卡》，描述歷史成為藝術創作之中的重要題材。今天更有不少藝術家用現代詩作為當代藝術創作的新形式，然而古希臘九繆斯之中早就有掌管詩歌的女神。至此，我們現在所創造的各種新興藝術其實是歷史的輪回和處于當今時代語境下文化的表達。
在籌備這次展覽之前，一直在思索一個問題，當代之后我們如何定義當代藝術？這顯然是一個很難找到答案的問題。直到回想起在威尼斯大街小巷隨處可見的小碼頭，石階上長滿的海藻青苔，這是海水退去后留下的痕跡。在威尼斯，有著一些鮮為人知的島嶼，它們被海水淹沒，海水侵蝕掉了它們曾經的輝煌。斷壁殘垣讓人們不經想像它們過往的繁榮景象。藝術與歷史往往是密不可分，歷史就像是海水一般，雕琢著藝術，直到海水退去，我們才能看到藝術的另外一面，或是侵蝕，或是長出海藻。
日本著名當代攝影大師杉本博司在其著作《直到長出青苔》一書中文版序言中，開篇第一句寫了：＂歷史之所以成為歷史，不得不等待那歷史中人從此世消逝而去。＂而＂當代之后我們如何定義當代藝術？＂這個問題的答案，亦是需要當＂今天＂成為歷史的那一時刻才能找出。那時的我們或許早已不在。那我們當下又該如何去評價已經成為歷史的今天呢？在此，我們利用＂未來考古＂的理念策劃了這次展覽，而這場考古盛宴的參與者不僅僅是策展人或是藝術家，而是每一位觀眾。所以，在觀看這場展覽的同時，請將你們置身在未來的某一時刻。
這次展覽我們邀請了十一位青年藝術家，他們通過他們的作品向大家提出了他們對當代藝術的種種疑問，然而在展覽現場策展人及藝術家并不會出現，因為我們在創作完這些作品及這場展覽的時候，這些作品、這場展覽已然成為了過去，此刻身處＂未來＂的你們準備好了嗎？我們相信此刻正在＂考古＂的你們一定能幫助我們答疑解惑。
直到海水退去，＂未來＂的你們一定可以找到答案…
策展人
-curator-
楊逸凡
獨立策展人
青年藝術家
Accademia della nelle arti di Venezia
意大利國立威尼斯美術學院
2014-2017，參與威尼斯雙年展中國館場館相關工作
2018-2021，從事藝術教育工作
參展作品
《威尼斯記憶碎片1-24》
《威尼斯記憶碎片1-24》，2015-2021
《威尼斯記憶碎片1-24》這組作品是我對威尼斯的情感寄托，及對這座水城的觀察與理解。2014-2018年我在威尼斯度過了四年的時光，這里是我的藝術開始的地方。其間走遍了這座水城的每一個角落。每每和朋友介紹威尼斯時，我都會說威尼斯是我的第二故鄉。然而隨著全球的氣候變暖以及不可避免的版塊變化，威尼斯這座城市每年都在下沉，在威尼斯主島周圍，已經有很多曾經有居民生活的島嶼被海水淹沒，未來威尼斯的沉沒或許是不可避免的問題。常常會想是否有一天，這個城市會變成像樓蘭古城或更為神秘的亞特蘭蒂斯一般的存在？這更讓我想為這座城市進行一次創作。
布列松提出＂決定性的瞬間＂的概念，也正因如此，記憶得以以照片的形式延續，于是我拿起了相機，用攝影來記錄發生在威尼斯的故事。無論是圣馬可廣場上的鴿子，還是公交船上悠閑的市民，或是狂歡節時擁擠的游客……我都用相機捕捉記錄。
《威尼斯記憶碎片1-24》，20X20cm，哈里姆勒藝術微噴，2015-2021
《威尼斯記憶碎片1-24》這組作品是將我在威尼斯拍攝的大量膠片紀實攝影作品通過后期進行數碼合成，讓大量的紀實影像在一張圖片中呈現，打印過后，再將完整的一張合成圖片均勻裁切成24片1:1大小的碎片，而后單獨裝裱。這是一個將已有的紀實攝影作品進行再度創作的過程，也是一個與記憶、與時間對話的過程。通過合成，一張張清晰且分散的照片變的模糊且整體，這好似我們的記憶一般，積累的每一瞬間的記憶，匯聚成一個復雜的記憶系統，裁切過后又將這復雜又完整的記憶系統分散重組，構成當下我對威尼斯復雜的情感表達。
而后，我會將這組作品再次打散，單獨售賣、交換或贈送，讓這24件＂記憶文本＂分散到世界各地的不同角落，并且等待著日后的重聚。在這件作品中，我不斷將其分散-整合-分散-整合-分散-整合……這便是我對城市、對記憶、對歷史的藝術解讀。
直到海水退去，迷霧籠罩著歷史……
策展執行
-curatorial execution-
殷蔚林
青年藝術家、策展人
攝影師
意大利弗洛西諾內美術學院
意大利國立威尼斯美術學院
2016-2019 參與威尼斯雙年展中國館場館相關工作
參展作品
《悟》
《悟》系列，尺寸可變
《悟》系列，尺寸可變
策展人語
我們在聊殷老師這組作品之前先聊聊這段歷史：
1902年，莫迪里亞尼考入威尼斯美術學院，彼時的畢加索初到巴黎，魂不守舍的游走在塞納河邊，筆下的世界都是藍色的，全然是個憂郁小子。兩年后，現代主義雕塑先驅布朗庫西從羅馬尼亞輾轉來到巴黎，畢加索的畫布也由藍轉粉，老畢最迷人的＂玫瑰時期＂悄然而至……1906年，莫迪里亞尼來到巴黎，與布朗庫西學習雕塑，為他后期標志性藝術風格奠定了基礎。1907年，畢加索終于與布拉克相遇并迅速擦出火花，大名鼎鼎的立體主義終于在巴黎這個神奇的地方誕生，影響甚至延續至今。隨后數年間基斯林、夏加爾、柴姆·蘇丁、藤田嗣治來到巴黎 ……巴黎，開始大放異彩！這一個個名字構成了大名頂頂的 ＂巴黎畫派＂，一個起初帶著濃烈的地域歧視色彩的名稱，而如今早已成為很多人心中的信仰，一畫難求。＂巴黎畫派＂從來就不是一個真正意義上的畫派，是一個個孤獨靈魂組合成的世界，而正是因為它的多樣性及感性，構成了一個豐富多彩的20世紀藝術史。
如今走在巴黎街頭，一不留神就與這一個個如雷貫耳的大師隔時空擦肩，而如今的巴黎卻早已不再是20世紀初的巴黎。伍迪艾倫在午夜巴黎中說，最好的時代就是現在。2014年，我懷著憧憬之心孤身前往威尼斯，偶像莫迪里亞尼也成了我的老老老學長，一年后殷蔚林從弗洛西諾內輾轉來到威尼斯，又過了一年，趙越也考入了威尼斯美院，我們三個都算是油畫系的，但是由于都對攝影感興趣，于是經常因為攝影進行交流討論。因為當時都癡迷于失焦的攝影技法，所以我們戲稱自己為＂威尼斯近視眼主義＂。這不經讓我想起來了上文所述的那段傳奇的藝術史。我一直覺得藝術家都是有地域情結的，正如巴黎對于莫迪里亞尼他們，威尼斯對于我們一樣。
再聊聊殷蔚林的攝影作品，從傳奇馬格南圖片社攝影大師羅伯特·卡帕之后，人們關注到了＂失焦＂這種攝影技巧，失焦就像是做減法，將清晰的影像刻意模糊，讓人更能去思考其背后的意義，就像是著名大地藝術家克里斯托的經典創作手法＂包裹＂一樣，被包裹的物體之下，蘊藏的哲學思考，反而更為清晰的呈現在了人們的眼前。這恰恰符合了＂Less Is More＂的哲學思維。而殷蔚林的失焦攝影，鏡頭之下，將人、事、物、環境緊密聯系，強烈的東方色彩之外，伴著西方的藝術形式，這讓我想起了趙無極、吳冠中。他們一生都致力于東西方繪畫的融合，而他們的作品與經驗也給了后世華人藝術家如何立身于世界的啟示。縱觀今天活躍在世界舞臺上的眾多中國藝術家，無論是蔡國強還是徐冰，亦是將東方思維發揮到了極致。正如＂巴黎畫派＂，地域情結就像是藝術家的本能一般，而＂東方情結＂正是眾多華人藝術家的立身之本。殷蔚林的攝影作品就充分體現了這一點，如水墨畫一般，云淡風輕卻又暗藏玄機，正如《道德經》中說：＂大音希聲，大象無形＂。在殷蔚林的作品中展現的淋漓盡致。隨著今天觀念攝影的發展，越來越多的攝影師加入到了觀念攝影的大軍中來，而如何發揮華人攝影師的獨道之處，通過殷蔚林的作品，通過這段評述給予大家些許啟發。
直到海水退去，我們身處何方……
參展藝術家
-Artist-
趙越
青年藝術家
攝影師
意大利威尼斯國立美術學院繪畫系
NABA MILANO藝術新技術系
參展作品
《1月1日的詩》
餓了先生
2017年1月1日
2017年1月2日
2017年1月3日
2017年1月4日
2017年1月5日
2017年1月6日
2017年1月7日
2017年1月8日
2017年1月9日
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2017年12月31日
策展人語
自從有了藝術評論這項藝術行為以來，早期很多藝評人都有著極端偏袒并高聲捍衛的藝術家。隨著藝術評論領域的發展，也開始形成了一種行業規則，《紐約時報》藝評人史密斯（Roberta Smith）說：＂藝評人不能買作品，也不能寫自己的好朋友。＂這當然是史密斯對日下混亂的藝術市場做出自己的回應并承諾，但在我看來這似乎同樣有些偏頗，如果剛好作為藝術評論家的好朋友是有著鶴立雞群的閃光點，并且對藝術市場的發展有著積極的作用的藝術家，那作為好友，你甚至比其他人更了解他，那為何不去寫一下他讓更多的人去感受呢？這種情況之下，反而不寫倒是有些扭捏作態了。趙越，便是我今天要＂冒天下之大不韙＂而想去說道說道的好友至交。
與趙越相識之初便知道他有著寫詩的習慣，并且經營著自己的自媒體平臺來發表自己的詩。這小子也不按常理出牌，學著趙無極給畫取名的方法給他的詩取名，所有詩名均為創作的日期。讓我至今最為記憶猶新的詩是那首作于2018年名為《1月1日的詩》，通篇365行，每行都是個日期，從＂2017年1月1日＂一直到＂2017年12月31日＂，365天歷歷在目。清楚記得那天剛好是2018年的元旦，當他拿著剛創作的這首詩來給我看的時候，就瞄了一眼，我瞬間興奮不已，隨之幾秒后卻有一種莫名的感動。不知道這家伙2017年是經歷了什么能寫出這樣一首可以說毫無詞藻、＂狗屁不通＂卻又感天動地的詩來。徒弟陸陽說過，搞藝術的最高境界是老子的＂無為＂，趙越便深諳＂大道至簡＂的哲學理念，并在其詩詞作品中表現的淋漓盡致。
與其說趙越所寫的是詩，我更愿意去說它是一件正兒八緊的當代藝術作品。一直以來我對＂藝術發展＂的理解都是＂從有形到無形的轉變＂。無論是古希臘雕塑，還是文藝復興時期精彩絕倫的繪畫，人們都是在追求藝術中的＂有形＂，而從印象派開始人們對這種＂有形＂藝術似乎有了反叛的萌芽，到了凡高、塞尚，＂無形＂的發展也成了歷史必然。上世紀五六十年代開始，隨著伊夫·克萊茵的縱身一跳，藝術的＂無形＂已成大勢所趨。行為藝術、大地藝術、聲音藝術、影像藝術……藝術的形態無時無刻的不在顛覆人們對所謂＂形＂的理解。＂觀念＂成了當代藝術最重要的組成部分。直到去年英國皇家藝術學院線上的畢業展覽，看到其中有個學生做了一件以劇本及思維導圖為最終呈現的藝術作品時，讓我一下子想到了趙越的詩，這何嘗又不是一件件精彩的當代藝術作品呢？擺脫掉所有雜陳的形體，留下一行行抽像的文字，透過抽象的言語，給觀眾留下無盡的具象的想象。與杜尚的《泉》相比一個用了文字，一個用了小便池，僅此差異，別無其他。
很多學生和朋友經常問我，如何去欣賞當代藝術作品？我認為欣賞今天的藝術更多是需要用感受。一段聲音、一行文字，往往不需要贅述，觀眾便可以感受到作品中的各種復雜的情緒。趙越的詩便如是。
直到海水退去，藝術成了詩......
參展藝術家
-Artist-
姜曉彤
青年藝術家
攝影師
北京電影學院攝影系
英國皇家藝術學院攝影系
參展作品
《火》
《火》，2020
《火》，2020
策展人語
什么是藝術？藝術何去何從？當代之后如何定義當代藝術？姜曉彤的這組名為《火》的攝影作品（估且稱之為攝影）或許可以給出一些回應。
那么藝術到底是什么呢？首先我認為所謂的藝術是隨著人類物質文明發展從而逐步形成的精神文明。每每有人問及這個問題的時候，我都會作這樣的比喻：原始人記事，因為沒有紙筆，用石頭刻在墻上，相信當時的人們并不會把這個行為稱之藝術；有了紙筆后，人們用紙筆記事，我們也不會把這個行為稱之藝術；今天有了電腦，用電腦打字記事，當然人們依然不會把它稱之為藝術，然而當今天的我們有電腦、有紙筆，我們非要致敬原始祖先，學著他們用石頭刻在墻上記事，我認為這便已經構成了＂藝術＂。因為隨著石頭、紙筆、電腦這些物質文明中工具的進步，＂致敬＂便是隨之產生的精神文明的體現，而＂精神＂便是連接一切藝術形式的重要因素。無論是哪個時期的藝術家的創作，他們的作品之中都透露出各種各樣的＂精神＂。
然而是否想過一個問題？那就是這一切的前提是有＂人＂的存在，我們或許很難抵抗熱力學第二定律＂熵增定律＂的自然法則，人類社會一定也會從有序轉向無序隨后消失，那此時的藝術又是什么？美國著名當代藝術家丹尼爾·阿爾軒（Daniel Arsham）提出＂藝術考古＂的理念，并將自己放置在未來的語境上進行創作，而姜曉彤的《火》這組作品亦是對未來藝術的一種大膽的解讀，當烈火焚燒過后，留下了作品存在過的些許痕跡，你無需知道它道底是什么或是它原來的樣子，因為看到這組作品時的你，此刻亦是身處未來，甚至說是一個人類文明消失后的未來。而此時的你又會去如何定義藝術？在藝術圈里長期存在著各種矛盾，搞古典的看不起玩當代的，畫畫的瞧不上玩觀念的，那么我們試想將達芬奇的《蒙娜麗莎》與杜尚惡搞的畫了胡子的蒙娜麗莎共同一把火燒掉，其實本質并無不同。
我時常思考的一個問題，當代之后如何定義當代藝術？對于這個問題的答案亦是需要將自己置身在當代之后的時間里去探尋。正如活躍于上世紀的達達主義，大張旗鼓的進行著反藝術運動，或許杜尚自己都不曾想到他們的作品在今天被奉為經典，今天去定義達達主義甚至成為了當代藝術的開端。《火》這組作品更進一步的解釋了＂反藝術＂的深層含義，今天再看＂反藝術＂，并不是＂反對＂而是一種＂再解讀＂，一種處在未來的＂再解讀＂。
直接海水退去，藝術留下了些許痕跡……
參展藝術家
-Artist-
嚴硯
本名 嚴慧瑩
青年藝術家、攝影師
服裝設計師
湖北美術學院
英國皇家藝術學院攝影系
參展作品
《三個立方體》
what丨three cubes
《what丨three cubes》，裝置 、數碼攝影 ，尺寸可變 ，2020
策展人語
二十世紀初的藝術環境可謂是＂大雜居、小聚居＂，如同春秋時期百家爭鳴、百花齊放一般，各大藝術流派如雨后春筍般地涌現于世。受野獸派、立體主義、未來主義等等一眾流派的影響，加之俄國爆發的十月革命，馬列維奇看盡人間百態從而大道至簡，至上主義跟隨著現代藝術的進程，孕育而生。
曾有人將繪畫分成三個階段并作這樣的比喻，首先是＂畫山不是山，畫水不是水＂，其次是＂畫山是山，畫水是水＂，最后又歸于＂畫山不是山，畫水不是水＂，而對于馬列維奇而言，山就是山，水就是水，一切緣于觀眾的眼睛及觀眾的心。其代表作《白底上的黑色正方形》、《白上之白》便向觀眾呈現了這種＂至高無上＂的理念。對觀眾而言，你也許看到了歡喜，也許看到了憂傷，也許看到了正方形本身，用馬列維奇的話來說，那它就是歡喜、憂傷或是正方形本身。而在定義《三個立方體》這件作品時，恰是應用了馬列唯奇這套直接到令人覺得像是詭辯一般的理論。
首先是時代背景，今天的藝術形勢相較20世紀初期的時候更為復雜，隨著科技的飛速發展，藝術的形態也在出現各種各樣的變化。VR藝術、多媒體藝術、人工智能藝術等等各種各樣的新藝術形式融入了本就復雜的藝術市場，所謂＂大雜居、小聚居＂的形態順勢轉為＂大雜居，小獨居＂的新形態。而在五花八門的形態之中，卻有著一個共同的問題，無論怎樣的作品，怎樣的藝術家，都向觀眾傳遞出了各式各樣復雜的信息。在這樣一個大時代背景之下，馬列維奇一百年前的理論如清流一般流淌在藝術海洋中。將話語權還給觀眾成為了當代藝術中勢在必行的事。然后回到《三個立方體》這件作品本身，一次老嚴在一個廢棄工廠考察時，發現一堆很有意思的磚塊，計劃拿回工作室進行創作，結果事與愿違，創作計劃流產。正當她發愁之際，手卻無意識的將工作室桌上的三個立方體、三塊L形鐵片及三顆螺絲組合在一起，前后五分鐘左右。在毫無計劃的情況下，用了五分鐘制作了這個裝置，隨后又用了近一周的時間對之進行觀察，再用了半天時間進行拍攝，最后又用了數月時間對其進行思考與研究。從命名上講，利用馬列維奇式簡單粗暴的命名方法，從而體現上文提及一系觀點。從形態上講，這個裝置是運動的，是可變化的，如同著名動態雕塑藝術家考爾德的作品一般，沒有一個固定形態。但相較考爾德動態雕塑不借助人力自然運動而言，《三個立方體》的變化更需要人的意識加入。這種人的意識產生的變化，恰恰又如同這瞬息萬變的當代藝術市場。
綜上《三個立方體》這件作品以一種獨特的方式，以小見大，呈現出我們對今天藝術環境的認知，藝術因人而變，最終回歸于人。最后奉上老嚴自己對這件作品的點評收尾：＂在這組圖像中，你看到立方體，它就是立方體；你看到空間，它就是空間；你看到熱情、悲傷、喜悅、痛苦，它就是熱情、悲傷、喜悅、痛苦，如果你什么也沒看到，那它就是什么都沒有。＂
當海水退去，藝術就是那時你所看到的樣子……
參展作品
《馬格南圖集》
《馬格南圖集》，尺寸可變，2020
《馬格南圖集》，尺寸可變，2020
策展人語
《馬格南圖集》，將馬格南圖片社歷代大師作品畫冊搗成紙漿重新做成紙。協助老嚴撈了一個多月的紙，共同創作了此件甚至可以大言不慚的說有望載入藝術史冊的作品。
從杜尚的《泉》開始，藝術家們開始關注到了何為藝術的本質這個話題，到博伊斯的著名行為作品《如何向死兔子解釋繪畫》，再到一手創立廈門達達主義的已故優秀的當代藝術家、中國當代藝術的開拓者、實踐者黃永砯所作＂將《中國繪畫史》與《現代繪畫簡史》放入洗衣機攪打兩分鐘＂，無不是用創作藝術的方式去對彼時的藝術環境去作解釋，藝術以更為觀念的形態被更多的觀眾所接受。
21世紀以來，世界藝術形態也發生了翻天覆地的變化。從20世紀初開始藝術家成群結隊地創造各種＂主義＂，變成了以各人為中心的＂單打獨斗＂，藝術市場也成了藝術家們的競技場，藝術家們都想成為那個只屬于自己的＂唯一＂，各種以極度個人主觀角度所出發的海量創作涌入藝術市場，當然其中也不乏有很多非常優秀的藝術作品，但過于追求所謂個性的發揮讓藝術宏觀形態逐漸弱化，藝術家們往往會陷入過于具體的單一主題與形式，觀眾從一件作品中可讀取的信息也越來越少，甚至作品就是藝術家給觀眾設計的完美圈套，一步步的引誘觀眾朝著自己的觀點去理解作品背后的價值。然而不管是前面所提杜尚的《泉》，還是《如何向死兔子解釋繪畫》，還是冼衣機攪打兩本藝術史書籍，透過作品本身可讀取的信息并非單一的，甚至藝術家本人不愿為自己作品去多說一句從而影響觀眾的主觀判斷。
這件將《馬格南圖集》重新做成紙構成新的＂馬格南圖集＂的作品亦是如此，從老嚴的角度來說：＂將書頁放到粉碎機中攪打混合，這些圖像成為了一箱分不清彼此的灰色碎紙，意識在這一刻被交織在一起，成為了一個由瞬間所組成的世界。所制造出的再生紙，代表交織的世界中的他們各自的意識。這些決定性的瞬間所組成的灰色世界，到底是攝影師們意識的世界，還是反映物質的世界？我們在閱讀這些圖像時儲存的記憶和理解的“過去”，是物質本身還是自己的認知？到底哪一個才是你所存在的世界？＂而從我的角度來說，這件作品反映的是上文所提出的我對當今藝術發展所產生的思考與疑問，當藝術家的名字與作品分開討論的時候，是作品本身的價值大于名字，還是名字大于作品價值，還是同樣重要。如果是藝術家名字更為重要，那么這件作品集合了六十九位攝影大師的名字，是否價值就是六十九位攝影大師的價值相加？如果是作品本身的價值大于藝術家的名字，那么這件作品集合了數百幅優秀的攝影作品，是否所產生的價值是這數百幅作品的價值相加？如果同樣重要，那這件作品的價值就更不言而喻了。當然，這便是從我個人角度作為藝術家給觀眾設下的圈套了。
綜上，對于這件作品已經有了兩個不同角度的基礎解釋了，再加上觀眾的意識與理解，這件作品可討論的空間當然也是巨大的，這便是為何在開頭大言不慚的說它有望載入史冊的原因了。
當代藝術，眾說紛紜，一家之言，何足掛齒。還望各位同道抱團取暖，眾人拾柴，才能有望在今天的藝術市場上揚名立足！
直到海水退去，藝術由你評判……
參展藝術家
-Artist-
陳家宇
青年藝術家
攝影師
澳門科技大學
倫敦藝術大學中央圣馬丁學院哲學與攝影專業
參展作品
《逃離攝影365天計劃》
《逃離攝影365天計劃》，尺寸可變，2021
《逃離攝影365天計劃》，尺寸可變，2021
策展人語
剛認識陳家宇之時給她的標簽是＂矛盾＂，生活在一個傳統又開明的潮汕家庭，陳家一共有五個兄弟姐妹，人越多的地方故事就越多，每每聽其講述發生在她家中的故事，都會覺得這一家人就像是一件藝術作品一般。天馬行空的思維，糾結透頂的性格加上自帶抑郁的體質，這些都造就了她對藝術的理解會高于常人。杉本博司在一個訪談中說過：＂如果你是一個正常人，那就不用搞藝術＂這句話用來形容陳家宇再合適不過。
因其長期深受嚴重的抑郁情緒的干擾，不斷的自我否定，找不到自我的價值。就是在這段時期，構思出了《逃離攝影365天計劃》這樣的計劃，依計劃一年時間之中，放棄相機這個重要的創作工具，放棄攝影這個重要的藝術創作形式，為了記錄這整個過程，把相機固定擺放在工作臺之上，每天用手機打卡記錄，然而真正逃離了攝影了么？在第107天的時候，發現手機里多了107張照片。《逃離攝影365天計劃》陳家宇這件作品作為一個計劃來說，無疑是失敗的，作為作品來說又是非常成功且極具思考性的。這件作品創作結束后，再見到陳家宇的時候，感覺她變了個人，樂觀許多。問及原因，她說：＂痛苦往往來源于無窮的渴望，然而這個計劃的失敗讓我意識到沒能成功逃離攝影時，我卻突然意識到這個無意中回答了我的問題一一這一切意義的存在。＂創造這件作品的過程中，陳家宇通過藝術得到了自我的治愈。
曾經給一個剛剛接觸藝術的學生看一本名為《今日攝影》的攝影畫冊，其中收錄了第二次世界大戰之后直至今日觀念攝影的諸多藝術家的作品，然而問及學生閱讀感受之時，他說如果這些作品發在朋友圈里他連看都不會看一眼，但看了書中的文字介紹后又會感同身受，于是便反問我今天的藝術、今天的攝影被創造出來的意義在于圖像還是文字？以及今天藝術創作的意義在哪里？這是個老生常談的問題了，當時便立刻例舉了陳家宇的這件作品來解釋他的問題。今天的藝術是什么？僅僅是文字，僅僅是視覺？我在《直到海水退去》（展覽序言）這篇文章中提出＂藝術是一種可以激發一切學習動力的感觀＂。然而通過《逃離攝影365天計劃》這件作品及藝術家陳家宇本人的經歷，又可以說藝術是一種療愈的手段，是透過藝術作品去認識藝術家的途徑，貢布里希說：＂沒有藝術，只有藝術家。＂這里得到了很好的回應。
直到海水退去，沒有藝術，只有藝術家……
參展藝術家
-Artist-
陳-谷宇子
青年藝術家
芝加哥藝術學院當代藝術專業
參展作品
《2020 be like》
《2020 be like》，尺寸可變，2020
《2020 be like》，尺寸可變，2020
策展人語
陳谷宇是陳家宇的同胞妹妹，初次見到陳谷宇時，看到她的標志性的寸頭，便覺得和她姐姐陳家宇一樣，極具藝術家氣質。＂冷靜＂就像是刻在她骨子里的名詞一般。有次看到一個觀眾采訪陳丹青的時候問道：＂你覺得當代年輕人是不是自我過剩？＂陳丹青說：＂我看不到當代年輕人自我的過剩，我看到的是表達的過剩＂。的確，隨著社會的發展，人們獲取信息的途徑越發的便捷，當代青年所謂的追求個性在大數據面前反而變成了共性，語言趨同、行為趨同。而展現所謂的個性的過程中，急切的自我表達往往是讓自己迷失方向。陳谷宇卻不同，作為一個非典型的00后，在她身上有著一股異常冷靜的氣場。作為一個年輕人，她是自我的。
陳谷宇算是個＂高產＂藝術家，在她的電腦里裝滿了她的作品，有裝置，有行為有攝影，亦有多媒體。作為一個極其年輕的藝術家，她的作品無疑是充滿實驗性的，在形式上的實驗之外，又在不斷試探各種意識的邊界。《2020 be like》這件作品便是其中典型之一。這件作品可以分成兩個部分來觀看，其一是圖像部分，疫情來臨之際，城市的封鎖讓大家足不出戶，藝術家通過簡單粗暴的后期將自己的模糊的馬賽克肖像置于世界各地的不同角落。第二部分是藝術家在線上會議的過程中，呼吁大家將會議背景改為第一部分的圖片，將每個人自己的用戶名稱都改為＂Chen＂（藝術家的姓）。正是如此，這是一件可以從多個角度去探討的藝術試驗，從這件作品之中，我們可以看到藝術家對自我的探索、對后疫情時代發展的思考、對新藝術形式的大膽創新。《2020 be like》這件作品，無疑是一次大膽的線上行為藝術。
＂自我＂或許是一個藝術家一生追求的東西，在所謂的＂自我＂背后，藝術家們的＂反叛＂精神卻日漸消失，而＂反判＂并不是無厘頭謾罵，而是一種自我的審視及對他人的尊重。這讓我想起了中國近代史上一個個令人頂頂振奮的先賢們，發起了改變中國的新文化運動，為了國家的救贖、自我的救贖不斷的試錯，摸著石頭過河。中國現代藝術亦是在＂反叛＂中跌跌撞撞的發展，當年蔡元培先生從巴黎請回了時年25歲的林風眠出任中國美術學院的校長，在無數反對聲中，開始了近現代藝術史的新篇章。如今，隨著科技的進步、思想的進步，中國當代藝術又迎來了一個轉變的節點，陳谷宇作為一個00后藝術家的代表，她是具有＂反叛＂精神的，她的這些實驗性的作品，用獨特的年輕視角看待世界，發現問題，提出問題，并嘗試用藝術的方式去理解問題。
在此引用毛主席的詩詞：恰同學少年，還看今朝！
直到海水退去，少年登上了藝術的舞臺...…
參展藝術家
-Artist-
張靜文
青年藝術家
攝影師
北京電影學院攝影系
倫敦大學金史密斯學院攝影系
參展作品
《攝影信封》
《攝影信封》，拍立得，信封，2020
策展人語
1935年，奧地利著名物理學家薛定諤提出＂有關貓生死疊加＂的著名思想實驗，從而將微觀領域的量子行為擴展到宏觀世界，而量子力學的核心問題便是＂意識＂。科學領域如此，宏觀世界中的＂藝術＂亦是如此。《攝影信封》便是張靜文對＂藝術與意識＂的深度解析。
在這個項目中，張靜文通過拍立得拍攝照片，在相片尚未顯影之時，立即放進信封里，并封存蓋章。包括攝影師本人再內，如果不去將其打開，那么這些被封存的影像便始終不得而見、不得而知。正如薛定諤的貓一般，這些在信封中的影像具有無限種可能性。而一但打開，影像便立即成為了＂現實＂。這又讓我聯想到近幾年火遍世界的＂盲盒＂手辦，《攝影信封》這個作品像是＂盲盒＂一般，神秘又危險。
藝術的本質同樣與＂意識＂緊密聯系，古今中外，任何形式的藝術都可以代入進＂薛定諤的貓＂的理論體系之中。如同畫家的紙，在沒畫之前一片空白，正是加入了畫家的意識、畫家的行為，紙才成了畫。又如同攝影，同樣的場景，兩個不同的攝影師通過相機捕捉瞬間，正是因為意識的不同，所產生的圖像一定也是不同。弗里德倫德爾在《論藝術和鑒賞》一書中說道：＂藝術是心靈之事，所以任何一項科學性的藝術研究必然屬于心理學的范疇。＂貢布里希在其著作《藝術與錯覺》之中也同樣對藝術與人類的意識和心理的關系作出一定的解釋。往往藝術家在創作的過程中，最為享受的便是從所謂的＂無＂到＂有＂的過程，而這個過程中存在著相當多的不確定性。正是因為這些不確定的因素，才讓我們今天所看到的藝術有了極大的發展空間。
對于藝術未來的發展，今天的我們是未知的，通過《直到海水退去》這場展覽，我們試圖去窺探未來，窺探藝術的＂明天＂，這顯然是徒勞的，未來的藝術何去何從我們不得而知，但通過張靜文的這個作品給我們帶來的啟發，今天的我們在面對未來之時依然是興奮無比的。歷史也會順著時間的軌跡不斷前行，而作為藝術工作者的我們來說，每個藝術家的個人的＂意識＂，或許都能讓藝術的未來有著無限可能。
直到海水退去，藝術可期……
參展藝術家
-Artist-
鄭潔怡
青年藝術攝影師
倫敦藝術大學LCC學院攝影系
參展作品
《失樂園》
《失樂園》，尺寸可變，2020
《失樂園》，尺寸可變，2020
策展人語
畢加索曾說：＂我十四歲的時候畫的就和拉菲爾一樣好，而我用一輩子的時間去學習和小孩子一樣畫畫＂。不僅僅是畢加索，無論是米羅還是保羅·克利，康定斯基或是夏加爾，亦或是村上隆、草間彌生等等，在他們的藝術作品之中，都可以看到他們尋覓童年的痕跡。這些通過尋找童心所創作出的作品，成了現當代藝術中最“可愛的”一道風景線。臺灣學者黃文博說過：“其實，就算老于世故的成年人，心底仍寄居著童話的影子。”而對于藝術家來說，童心就像是一把開啟通往天馬行空世界的大門鑰匙，讓作品充滿想象空間。然而童心對于任何一個成年人來說是一種非常寶貴卻又求之難得的東西。
《失樂園》是青年藝術家鄭潔怡對其童年的回憶及對成人世界的迷茫，拋開生命成?中的視覺假象，藝術家不斷思考自己的得失。在這個作品中，藝術家通過黑白、失焦、過曝、剪裁、拼圖等技法的組合，營造出荒誕憂傷的氛圍，提示部分童年記憶已被時光甚至主觀意識所遺棄。通過《失樂園》這件作品，藝術家寄希望于找回一些童年細節，比如某氣味，某音樂，某情緒，祈禱重塑童年一個簡單的瞬間。
鄭潔怡這樣形容她的作品：＂用隱晦的方式去訴說童年，是我個人的‘自傳’，它訴說著人性和時間。＂然而這不僅僅是藝術家的＂自傳＂，也是每個觀眾的＂自傳＂。這個作品是可以和每位觀眾進行互動的，觀眾可以參與到作品之中，甚至于可以根據自己的主觀意愿去改變作品的排列方式。與其產生共鳴后，回想自己的過往，觸發每位觀眾對童年、對自由、對存在及擁有的思考。
1926年，經歷了顛沛流離的魯迅先生寫下大名頂頂的回憶性散文集《朝花夕拾》，無論是其中的《貓·狗·鼠》還是《無常》或是《從百草園到三味書屋》，魯迅先生通過對童年的回憶，及對當下＂吃人＂社會的對比，給現實一記重擊。由此可見，＂童心＂是具有力量的，＂童心＂甚至可以洗滌骯臟復雜的成人世界。這便是畢加索及一眾藝術家畢生追逐童年的原因之一，也是鄭潔怡期望通過展現《失樂園》這件作品，提醒大家＂勿失樂園＂的良苦用心。
國人常說＂三十而立，四十而不惑＂，而對于藝術而言，＂惑＂才應該是常態，保留童心，保留好奇心，大膽前行！
直到海水退去，童心猶在……
參展藝術家
-Artist-
炎火火
本名 張楚炎
青年藝術家
英國劍橋藝術學院服裝設計專業
倫敦藝術大學坎伯威爾學院繪畫系
參展作品
《逃避自由》系列，40X50cm，布面油畫，2020
《逃避自由》系列，40X50cm，布面油畫，2020
策展人語
1941年，美籍德國社會心理學家艾瑞克·弗洛姆發表了其心理學著作《逃避自由》。其中指出，從自然界中分離出來了人類的社會。隨著歷史的發展進程，人類社會越發有序，而推動社會秩序的核心力量是＂文明＂，個人與社會的關系也在＂文明＂的作用力之下產生巨大的變化，弗洛姆在書中稱這種變化為＂個體化的產生＂。伴隨著＂個體化的產生＂，所謂的個體＂自由＂日漸增多，＂孤獨感＂隨之而來。在今天看來，弗洛姆的理論體系不僅僅對＂個人＂受用，人類社會中的一切領域的發展都可以代入其中，包括藝術。火火的系列油畫作品《逃避自由》借用了弗洛姆著作的標題，通過她的作品，給我研究藝術發展史及藝術心理學有了些許啟示。
關于人類繪畫的歷史，我們至少可以追溯到3萬多年之前，從史前巖畫一直到今天，繪畫也有序的發展，然而正如弗洛姆所分析的理論一樣，繪畫的＂個體化＂在印象派之后達到了一個前所未有的高峰，從后印象派大師塞尚開始到上世紀初期，繪畫的形式如雨后春筍般地涌現出來，各種繪畫流派應接不瑕。然而在＂個體化＂噴涌而出之后，＂繪畫＂這門歷史悠久的藝術形式日漸＂孤獨＂，由于很難再找到所謂的＂個性＂，越來越多的畫家無奈放下畫筆，玩起了觀念，這其中甚至包括我自己。陳丹青說：＂我奉勸年輕人不要再畫畫了，畫畫真的沒出路了。＂我當然不能完全贊同其觀點，但可以從中看到作為一個畫家的無奈。曾經看過一個展覽，參展的藝術家皆是繪畫領域的大佬，但其中竟然沒有一張畫，全部是所謂的當代藝術，不經失落萬分。繪畫專業在藝術領域中也成了最難找工作、逐漸落寞的專業。這或許就是弗洛姆所說的＂孤獨感＂吧。
然而真的就沒有必要畫畫了么？火火算是我的一個很特別的學生，再我也一度懷疑繪畫的價值之時，我看到她的手稿，那個時候的她沒有學過一天畫，我卻從中看到了繪畫的一絲希望。天馬行空的想象力，與生俱來的天賦，火火顯然是當今藝術領域中少見的有＂靈氣＂的人，我們很難進入其思維世界之中，自認為理解能力還可以的我也基本聽不懂她對她自己作品的描與解釋。然而每每看到她的作品之時，卻都是有一種莫名的歡喜。之前在聊陳谷宇的時候也提到今天是一個＂表達過剩＂的時代，正是因為＂個體化的產生＂讓人們急于表達自我，當代觀念藝術便是一種表達自我的＂快速通道＂，而繪畫卻不是，也正是如此，觀念藝術與繪畫相比日漸活躍。
火火當年在求學之時，曾經問我她到底選擇什么專業，我想都沒想便建議她學畫畫，在今天繪畫對于別人來說或許的確不是最好的選擇，而對于火火這般的藝術家來說，繪畫永不停歇，或許現在的他們還不是最成熟的，或許這個過程之中他們也會孤獨，但是，他們一定會用一己之力繼續譜寫人類三萬年的繪畫史。
直到海水退去，繪畫不止、藝術不止……
參展藝術家
-Artist-
劉睿智
青年藝術攝影師
倫敦藝術大學LCC學院攝影系
參展作品
《壽者相》
《壽者相》，布面輸出，2021
《壽者相》，布面輸出，2021
策展人語
《金剛經》中有云：＂無我相，無人相，無眾生相，無壽者相＂。＂時間＂是個偽概念，所以萬事萬物沒有哪個活的長哪個活的短之說，在無量無邊的宇宙之中，再長的壽命都是彈指一揮間，而在那一瞬間，其實又蘊藏著無數個未知的虛空宇宙。每當人們提起時間無非是現在、過去和未來。每一個或長或短的生命都會留下不一樣的痕跡。這些痕跡或大或小，有的人一生平凡碌碌無為，有的人可能會在歷史中留下他們的名字。這些痕跡都是人們窮盡一生所留下的東西。青年藝術攝影師劉睿智通過《壽者相》這組當代攝影作品來闡述其心中對于時間的理解。
意大利詩人菲利波·托馬索·馬里內蒂于1909年發表《未來主義者宣言》一文，隨后＂未來主義＂在以意大利為核心的歐洲國家發起了一場文化與藝術的思潮。顧名思義，＂未來主義＂的核心便是在＂時間＂的語境下討論問題，愛因斯坦相對論中提出：物體是絕對的運動及相對的靜止的，這是時間的常態。而未來主義的藝術家們便好于捕捉萬事萬物的＂運動＂的狀態，無論是小狗運動的狀態，還是歷史的發展狀態，一切運動都在其思潮理念之中體現。在《壽者相》這個作品中，藝術家僅僅使用了一塊橡皮進行創作。隨著每天的使用，橡皮從大變小，而藝術家所收集的橡皮屑慢慢的從少變多。從一塊全新的橡皮開始，每使用完一次，藝術家并對其進行一次拍攝，隨后又將這些影像進行疊加。時間及使用讓橡皮產生了＂運動＂，而對于相皮來說因為所謂的＂運動＂而產生了變化。在這件作品中，我們可以將其中的橡皮與生命做類比，我們常說＂向死而生＂，隨著時間的流逝，生命越發短暫，然而所留下的痕跡確是越來越多。
很多人無法理解一些藝術家窮困潦倒卻又樂在其中，而在據我觀察，絕大多數藝術家創作初衷就是所謂的留下＂痕跡＂，因為生命是短暫的，自己離開之后，作品依然還在，自己的精神依然還在。然而藝術又真的是永恒的嗎？當藝術消失之后，藝術又轉化成了什么呢？這也難怪很多人說出＂藝術是一種假象＂這樣的觀點，對于無限運動的宇宙來說，藝術的確是黃梁一夢而已，然而誰又真的知道答案呢？
直到海水退去，答案浮出水面……
鳴謝
-Thanks -
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