齊白石 《花卉》

吳昌碩 《墨荷》

明 徐渭 《菊竹圖》

　　當代中國畫“寫意精神”式微，是這兩年備受詬病的現象。而作為最能夠“深沉復雜”地承載寫意精神的花鳥畫——尤其是大寫意花鳥的衰落更是讓人痛心不已。而在最近，我們卻不無欣喜地看到，在廣州市美協花鳥畫藝委會承辦的“百花頌花城”活動中，近百位廣州一線畫家以他們的實際行動，為弘揚花鳥畫的“寫意精神”做出了集體性的“發聲”。并且將借春節花市的契機，將失落已久的“寫意之美”帶入民間，拉近和公眾的審美距離。我們究竟應該如何重新發揚花鳥畫創作的“寫意之美”？就這個問題，記者采訪了諸位藝術家、評論家以及本次活動的組織者，請他們談談自己的看法。
　　中國人民大學教授、評論家 陳傳席——
　　素描和色彩土壤里開不出寫意之花
　　很多人說全國美展入選的寫意畫太少，工筆畫太多，其實這只是問題的表象，問題的癥結在于能把寫意畫畫好的人太少了。坦白講，全國美展中為數不多的幾張寫意畫，我認為都不該入選，因為水平不行。相比之下，工筆畫畢竟在造型、色彩上有真功夫，起碼不是欺世盜名之作。
　　中國畫，尤其是寫意畫，畫得好要有靈性，得有學問，傳統功力還得扎實。齊白石、黃賓虹等大家，哪個不是詩詞歌賦樣樣精通？所以他們能畫出好的寫意畫。現在的畫家畫不出好的寫意畫，簡單地說就是因為文化水平太差。因為寫意畫需要的文化底蘊都是真功夫，甚至是“童子功”，不像工筆畫的技法那么容易被訓練出來。
　　怎樣才能畫好寫意畫？首先，古代詩詞得學，文言文得會，傳統著作得讀，書法也得會。寫意畫家如果不懂書法，永遠也畫不好，繪畫格調也上不去。可以說書法功底有多深，繪畫格調才能有多高，黃賓虹、齊白石、潘天壽，一個都不例外。中國的寫意畫，如果有所謂捷徑的話，那就是練字。對書法和繪畫的力氣至少應該下得平均，特別是在學習階段。
　　說到這里就不能不提一下現在的美院教育。現在的藝術教育系統，對古典文化、書法都不做要求，考的是素描和色彩。這些都是西畫的基礎，你怎么能指望在這個基礎上開出“寫意”之花呢？其實，美院里西畫的專業，可以按照西畫的方式來招生，而中國畫應該考詩詞、書法，還有臨摹古畫——你還是得會畫，技術一點沒有也不行。只有這樣，才能帶動整個中國畫的創作和發展，真正發揚“寫意精神”。
　　有關機構也可以在這方面做一些事情。據我所知，其實還是有好些不錯的寫意畫家，但是他們反而不會參加全國美展，他們覺得參加一兩次就可以了，沒有太大的熱情持續參加。所以美協如果能動員這些優秀的畫家來參加畫展，真正地畫幾張好的寫意畫來引領全國美展的審美導向，也是個不錯的辦法。
　　廣州美協主席、西泠印社理事 周國城——
　　寫意精神歸根結底是筆墨精神
　　中國的寫意畫，雖然追溯到唐代就有，但真正的高峰，是以明清的徐渭、八大山人為代表的。可以說從那個時候起，中國藝術就基本走上了寫意的道路，能夠立得住腳的藝術大師也都是寫意畫家。
　　現代美術大師吳昌碩、齊白石、黃賓虹也都是以寫意見長的。這不是歷史的偶然，而是藝術發展必然的走向——就是具象和寫意，究竟哪個才是藝術的更高境界。八大山人畫的一條魚，不用畫水、不用畫草，但能讓人感覺出這條魚的靈動。這是非常奇妙的藝術表達方式，也是中國畫最精髓、最根本的東西，是一個更加開闊和自由的天地。我不是說工筆畫不美，西畫不美，但是在寫意面前，得承認還是有差距的。
　　但不僅是當代，其實在寫意的整個發展歷程中，也曾出現過蕭條。那時有人會認為，你就這樣“草草幾筆”，算什么功夫呢？寫意畫無論是從創作還是從欣賞上來看，都是有門檻的，而在我們中華的文脈斷裂數十年之后，寫意精神的失落可以說是積重難返，整個社會上能欣賞寫意畫的人也不多。而且我們美術界現在也有很不好的導向，5年一屆的全國美展，中國畫的評選里面，可以說百分之九十八都是工筆畫，這和寫意畫在中國畫中的地位是嚴重不配套的。這個導向造成的后果就是：整個社會對寫意畫越來越缺少了解，尤其是年輕人。大家都覺得工筆畫美，卻對中國畫最核心的、精神性的東西缺乏了解和欣賞的能力。
　　而另一方面，我們不得不承認：現在能畫好寫意畫的畫家確實不多。因為相對工筆畫而言，畫好寫意畫需要更深厚的文化底蘊，也需詩、書、畫、印各方面的素質要求。古代很多宮廷里的工筆畫家，畫好畫都不落款，為什么？因為他的書法不過關。而事實上，如果書法不過關，在中國畫的創作方面要想達到頂峰是非常難的。寫意精神歸根結底就是筆墨精神，所以書法寫不好，成不了偉大的中國畫家。像潘天壽曾說的，7天不畫畫沒有關系，但不能一天不寫書法。國畫里所有的線條都是用毛筆來表現的，對于花鳥畫來說，其實就是線的穿插，線與線的搭配，哪里留白，疏密的安排……你把書法的感覺帶進去，你的畫面自然就有了獨特的地方，有了寫意的味道。
　　廣東人文藝術研究會會長、書畫家 劉斯奮——
　　當代花鳥畫最缺的是人文情懷
　　中國畫三個組成部分：山水、人物、花鳥，發展最充分、水平最高、成就最大的就是花鳥畫。但不論哪種題材，古人基本都畫完了。工筆有北宋的院體，寫意有明清的徐渭、八大、金農等，都達到了一個極致的高度。
　　所以在當代，畫花鳥是最難的。古代的人物畫，對人體沒有充分的了解，又受文化的影響，在表達上束手束腳，所以在很多方面，當代畫家還有開拓的空間；而古代山水畫，因為受生產力的局限，視野比較狹窄，當然中國人因此發明了散點透視法，把群山峻嶺都納入一張畫中。但現在生產力提高了，當代人的眼界、胸襟都比古人開闊，也有空間繼續開掘；唯獨花鳥畫，無論是觀察的視野、程度，還是藝術的技巧、趣味，古人沒有哪方面遜色于當代人，所以當代的花鳥畫家面對歷史上的一座座高峰，實在沒辦法。
　　所以從我個人來說，我敢畫山水，敢畫人物，就是不太敢畫花鳥。因為藝術總得有所超越、有所不同才能凸顯價值。如果只能重復前人，創作的意義肯定就被削弱了。
　　今天的畫家如果要畫花鳥畫，仍糾結于前人的技法就沒有意義了，唯一的出路是發揮藝術家的個性，表達出對物象、對花鳥獨特的個人感受。在這方面，我覺得當代的畫家還是有一些開拓空間的。畢竟，古人眼中的花鳥跟今人眼中的不太一樣。比如梅、蘭、竹、菊是“四君子”，古人是把自己的文人情懷寄托在其中的。可是現代的人哪還懂什么是“君子”，我們還寄托和古人相同的情懷在里面，其實只是一種淺薄的模仿。我們沒有古人的人文情懷、胸襟抱負，只能畫一些表面的東西，深度自然會削弱。所以當代畫家要仔細琢磨的是：怎么用花鳥寄托當代人的情懷。這就要求花鳥畫家必須得增強自身的文化修養，得真正地具有這種人文情懷，才能把它寄托在當代花鳥畫的創作中。
　　而工筆和寫意，歸根結底都是一種表達方法。就算是寫意，也不見得有情懷，也可能只是些表面功夫。相比工筆，寫意更加需要情懷，沒有情懷的工筆還有些功夫可以看看，而寫意已經超越了物象，完全靠筆墨的發揮，沒有情懷還有什么可看的？不過從另一個角度來看，我也承認，寫意相較于工筆，突破了技術的束縛，也更加適合情懷的發揮，所以這里面也確實蘊藏更大突破的可能。
　　廣州美協副主席、花鳥畫藝委會主任 張思燕——
　　寫意精神式微已久
　　改變絕非一日之功
　　前年我在國家畫院研修，受教于王孟奇先生，他和楊曉陽院長等一再地提及國畫創作中寫意精神的重要性。而從更大的范圍來說，無論是中國畫的意境、古典詩詞的詩意，戲曲的一唱三嘆，道宗、禪宗的精神內核，都離不了“意”。可能是從那個時候，我對這個問題有了特別的關注和思考。
　　寫意精神是中國畫的精髓，也是核心價值——這基本是所有藝術家的共識，但在當代，這種精神卻面臨式微的命運。一個最明顯的表現就是全國美展：獲獎及入選作品，幾乎都是對物象的精致刻畫，寫意可說寥寥無幾。以至于有人說笑：假如齊白石、吳昌碩活到今天，恐怕也很難在全國美展入選獲獎了。
　　還有一種說法是：當代的寫意水平降低了，根本選不出好的。工筆至少還有個“表面功夫”，總好過“要技術沒技術，要思想也沒思想”的偽“寫意畫”。美院的馬文西老師曾說，他很難招到一些優秀的畫寫意的學生，大部分學生都選擇以工筆作為主攻方向。為什么？因為想畫好寫意畫特別難，除了對寫意精神的感悟外，書法、篆刻、詩詞、音樂都得懂。現在美院的招生、教學系統基本采用西方模式，中國傳統文化的教學是缺失的。事實上，現在美院的學生，畫寫意畫在技術上不存在任何障礙，畫不好是因為在文化底蘊這一塊需要補的課太多了。
　　而且，畫寫意畫有時候跟一個人的年齡、閱歷還有關系，很多人可能要到了一定的年齡，才會有那么一點感覺，像黃賓虹、吳昌碩、齊白石等大師是越到老寫意藝術越爐火純青，所以有人也會說中國寫意畫其實是一種“老人藝術”。
　　所以，“寫意精神”的式微，要想改變絕非一日之功。那么我們面對這個問題，能不能做一些力所能及的事情呢？我們花鳥畫藝委會在策劃《百花頌花城》活動時就在一起商量，能不能借機宣傳一下“寫意之美”。畢竟，寫意的失落跟整個社會的審美取向有很大的關系。寫意畫不像工筆畫那么容易欣賞，有一種撲面而來的、精致的美感。如果說工筆的花鳥畫，描摹的一朵花僅僅是一朵花，那么大寫意描繪的一朵花，更像一首用筆墨唱出的心中的歌。歌的旋律有長音有短調，筆墨線條的長短、快慢、舒緩，奇妙的布局和走勢也營造出了一種節奏感。對寫意畫的欣賞，其實也是需要學習的，如果整個藝術界的創作都彌漫工筆之風，那公眾欣賞水平的提高也是無從談起。讓人感到欣喜的是，我們的想法得到了許多畫家熱情的回應。